Composición 2: El encuadre

Encuadrar una parte del mundo para crear una imagen es la parte más importante del proceso de composición. Las proporciones y la orientación del encuadre (horizontal o vertical) dictan como se ordenarán los elementos de la imagen. Las fotografías rectangulares son las más comunes, pero un encuadre puede tener cualquier forma, de hecho las primeras cámaras kodak creaban imágenes circulares. 

Formatos de película para fotografía fija

Como podemos ver en los ejemplos, los distintos formatos de película cambian y encuadran de manera diferente una misma escena. Es importante tener en cuenta la relación proporcional entre los lados del formato para obtener buenos resultados para encuadrar y componer. La proporción en el encuadre define el área en la que podemos "encerrar" la imagen. Para La relación entre las proporciones de una imagen es su anchura dividida por su altura, por ejemplo 3:2 (formato de 35 mm: 36mm [anchura] x 24mm [altura]).



Tamaño y ubicación del motivo en el encuadre

Uno de los errores más comunes al momento de encuadrar es centrar el motivo principal, dejando poco espacio entre el motivo y el margen inferior y superior. Lo cual deja a los lados grandes zonas que "salen sobrando".

Decidir donde ubicaremos nuestro motivo, sujeto, objeto etc. es sumamente importante al momento de componer.

Considera los siguientes puntos para hacer una mejor composición:

1. Tomar en cuenta la forma del motivo
   
   ¿La forma del motivo tiende al cuadrado o al círculo, domina la vertical o la horizontal? Decide que encuadre te convienen más vertical u horizontal.
   
2. Tamaño del motivo
   
   Pensar en el tamaño del motivo en relación con el fondo. ¿Qué se pretende decir del fondo y su ubicación? ¿Se quiere que el motive domine la fotografía o que se mezcle con el fondo? Puedes resaltar un motivo recortando para resaltar al máximo el detalle o a lejar la cámara para mostrarlo lo más pequeño posible.
   
3. ¿Visualmente el motivo está separado del fondo?
   
   Intenta probar varios ángulos, para ver qué fondo se adecua más a lo que estas fotografiando. Cuida la perspectiva, desplázate ligeramente, así puedes lograr mejores resultados y eliminar elementos del fondo que pueden distraer.
   
4. Descentrar el motivo
   
   Intenta conscientemente mover el motivo hacia uno de los cuatro extremos del encuadre, esto le dará un mayor dinamismo a la composición.
   
5. Recortar el motivo
   
   Prueba recortando el motivo de modo que solo aparezca una parte dentro del encuadre. Mantén los detalles más importantes y evita recortar un poco por los lados ya que esto reduce la fuerza de la imagen.
   
   Ejercicio
   
   Encuadre dentro del encuadre
   
   
   
   Una estrategia recurrente de los fotógrafos es crear una imagen dentro de la imagen. Un encuadre secundario dentro del encuadre principal sirve para dar énfasis al motivo. Por ejemplo, utilizar ventanas, marcos de las puertas, espejos, etc. para enmarcar lo que se busca resaltar.
   
   
   
   
   1. Ubica estructuras que puedas utilizar como marco secundario
      
   2. Decide si fotografiaras desde dentro o desde afuera
      
   3. Analiza las condiciones de iluminación, procura escoger espacios que estén bien iluminados por dentro
      
   4. Realiza varias tomas enmarcando tu motivo de formas diferentes.
      
   5. Publica y comenta tus resultados en Flickr
      
   6. En la zona de comentarios de esta entrada pega una liga a tus fotos en Flickr
      
      
      
      Para darte una idea de como realizar el ejercicio explora la obra de  Lee Friedlander
      
      
      
      
      
      
      
        Intrigante encuadre: una sombra dentro de una persona
      
      
      
      
      Recortes de paisaje
      
      
      

 Personaje comentado


Bibliografía

David Präkel , Composición, Blume, Barcelona, 2007.

Sesión 4

Composición 1: Composición y simplificación

El ojo y la cámara no ven las mismas cosas. Constantemente el cerebro procesa de forma activa la información que recibe de la vista y descarta los detalles que no necesita.  Sin mbargo,  para la mirada pasiva de la cámara estos detalles tienen la misma importancia que el resto de elementos. 

Te ha pasado que al mostrar las fotos que tomaste en un momento especial con frecuencia terminas narrando lo que sucedió y a pesar de tener una imagen del momento acabas diciendo "ojala hubieras estado ahí”

La cámara no está hecha para registrar lo irregistrable;  los pensamientos o sensaciones que tenemos al momento de tomar la foto. Cuando sucede esto, por alguna razon los elementos que construyen el mensaje de la imagen no se han logrado capturar, de manera que el significado de la imagen no queda claro.

Una de las lecciones fundamentales de la fotografía consiste en aprender a captar lo que uno ve, no lo que uno piensa que ve.

“Lo que se ve en una fotografía no es lo que se ve la momento de hacerla. La fotografía es, en realidad la habilidad de plasmar una mentira visual.”

Terence Donovan

Componer es ordenar. Es la herramienta que nos permite manipular los elementos de una imagen para comunicar un mensaje.  Es decir, la composición se basa en el proceso de identificar y colocar los elementos para producir una imagen coherente. Aplicar conscientemente los principios de la composición nos ayudará a crear imágenes que comuniquen nuestras sensaciones, pensamientos, emociones e ideas sobre lo que estamos fotografiando.

Para comprender mejor los principios de la composición es necesario identificar los elementos básicos que componen una imagen: puntos, líneas, contornos, formas, texturas, ritmos, volumen, color. Aunque estos elementos se estudien por separado la composición es precisamente el modo en que se combinan. Como una receta de cocina se puede seguir al pie de la letra o modificarla para que quede a nuestro gusto.

Ejercicio 3. Simplificando

1. Realiza varios retratos de tus compañeros de clase, el objetivo de este ejercicio es lograr una imagen que capture su personalidad. 

¿Cómo es su temperamento? ¿Es paciente o siempre esta acelerado? ¿Es introvertido o extrovertido? ¿A qué se dedica? 

Piensa de que manera puedes comunicar toda esta información a través de una imagen. Puedes incluir objetos,  piensa también qué importancia tiene el espacio o el fondo con el sujeto que estas fotografiando.  Utiliza diversos encuadres  haciendo uso del zoom.  También recuerda cambiar el balance de color para obtener resultados diferentes en tus fotografías.

2. Una vez que hayas concluido la sesión de fotos súbelas a Flickr, crea un álbum con el título Retratos1. Una vez que  hayas concluido lee el siguiente texto y haz un análisis sobre las fotografías que obtuviste.

Menos es más

El mundo es  dinámico, un lugar en constante cambio, donde las personas y las cosas se mueven en tres dimensiones. Por el contrario, las fotografías y los cuadros no sólo “paran el reloj” por su naturaleza estática, sino que además enfocan la atención del observador en una parte del mundo enmarcada, donde las relaciones espaciales se han congelado en una representación bidimensional. Lo dinámico se convierte en estático y el mundo tridimensional se aplana y aparece en dos dimensiones.

El fotógrafo construye, trabaja y retoca su imagen dentro de un marco. Siempre existe la posibilidad de revisarla o cambiarla. Sin embargo, el fotógrafo escoge una imagen del mundo real y la organiza dentro de un encuadre, una selección del mundo real.  Al principio, a los fotógrafos les tienta poner todos los “elementos” posibles en sus imágenes. Sin embargo, con experiencia se consigue un resultado más satisfactorio si se edita la escena conscientemente, teniendo en cuenta lo que se puede ELIMINAR o SIMPLIFICAR para así reforzar el mensaje.  

Pensar, qué es de lo que  se puede prescindir dará más fuerza a la imagen. La simplificación es una parte esencial de la composición; eliminar los elementos visuales que recargan la imagen permitirá que solo queden los elementos más importantes que después puedes organizar para crear una buena composición.

Un error frecuente cuando fotografiamos sucede cuando ponemos demasiada atención al elemento principal y nos olvidamos de los detalles del fondo. El resultado es una imagen mal organizada. Hay que tener en cuenta los elementos del fondo para que no interfieran o distraigan la atención del objeto principal.  

Existen varias técnicas para hacer que las imágenes sean más simples:

Reencuadrar: Acercarse al sujeto ayuda a  llenar el encuadre y eliminar el fondo. 

Enfoque selectivo: Las partes que deseamos resaltar son las enfocadas.

Profundidad de campo: Similar a la opción anterior la diferencia es que se trata de la zona en la cual la imagen captada por el objetivo es nítida (es decir enfocada), de manera que en la fotografía que se realice, las personas y objetos que se encuentren dentro de esa zona aparecerán también nítidos.

Simplificar cromáticamente: Cambiar la imagen a B y N, cambiar el entorno de claro a obscuro o viceversa, fotografiar en condiciones de poca intensidad de luz como en un dia nublado o con niebla.
 
Sigue este vinculo para ver ejemplos

3. Responde las siguientes preguntas en tu sesión de flickr

¿Tus fotografías son suficientemente simples?

¿El personaje retratado aparece lejos o cerca en tu fotografía?

¿Cómo es el fondo? ¿Es liso o hay otras cosas que ensucian la fotografía?

¿Qué técnica de simplificación puedes ocupar para mejorar tus fotos y  porqué?

Reto semanal

Durante la semana pon a prueba las técnicas de simplificación haciendo retratos de los compañeros de la escuela, carga los resultados en tu sesión de flickr.

Bibliografía

David Präkel , Composición, Blume, Barcelona, 2007.

http://www.terencedonovan.co.uk 
http://www.flickr.com/photos/laureos/page4/

LA LUZ

Hay quien dice que la fotografía es e arte d epintar con luz. En este post hay varias ligas de articulos que tratan sobre el tema.

 http://www.dzoom.org.es/noticia-1482.html

http://www.xatakafoto.com/curso-de-fotografia/curso-de-fotografia-29-el-balance-de-blancos-introduccion

http://www.elwebmaster.com/talleres/taller-de-fotografia-digital-manejo-de-la-luz

Correccion de Balance d eblancos desde photoshop

http://www.guillermoluijk.com/tutorial/wbjpeg/index.htm

Tips

1. Calidad

La calidad de la luz a utilizar depende del tamaño de la fuente (lámparas, bombillas, el sol, etc.) y de la distancia relativa entre ella y el motivo. Mientras mas grande sea la fuente o mas cerca esté del motivo, mayor será la calidad de la luz. No debe confundirse con la intensidad, por ejemplo, el sol y la luna tienen una notable diferencia en cuanto a la intensidad de su luz, sin embargo, tienen la misma calidad, siempre y cuando no interfieran las nubes, ya que su tamaño y distancia relativas de la superficie de la Tierra son semejantes.

1.1 Luz dura

La identificamos porque da una sombra con bordes nítidos y bien definidos. Esta luz acentúa el contraste entre las regiones de luz y de sombra del objeto. Destaca los detalles de casa textura, por lo que no se recomienda para retratos. Se puede usar en escenas donde predomina el vigor o la fuerza.

1.2 Luz suave

Se produce por una fuente de luz muy extensa, de poca intensidad. Esta luz apenas arroja sombras, resta importancia al motivo, haciendo que predomine el volumen sobre las líneas. Se usa para escenas familiares.

1.3 Luz semidifusa

Es una luz inicialmente dura, que se suaviza un poco mediante difusores, que pueden ser cortinas, las nubes, etc. Proyecta sombras, pero sus bordes no son nítidos. Esta luz suaviza el contraste entre las regiones de luz y de sombras, por lo que se recomienda para retratos.

TIP: Para eliminar el contraste de luces y sombras que se produce en un sujeto cuando lo iluminamos con una bombilla del alumbrado público, debemos acercarlo a una pared blanca, para que el reflejo que ésta produce ilumine el lado que queda oscuro.

2. Dirección

2.1 Luz Lateral

Este tipo de luz destaca el volumen y por ende la tridimensionalidad del objeto (lo divide en varios planos) y la textura de las superficies. Si la luz incide lateralmente al motivo, la sombra queda perpendicular al fotógrafo y forma parte de la imagen, por lo que puede tener parte activa en la composición.

2.2 Luz frontal

Es cuando la luz llega al motivo cuando proviene de atrás del fotógrafo por lo que la sombra queda detrás del motivo. Destaca el color y los detalles. Sin embargo los planos tienden a acercarse entre sí, por lo que el motivo se verá plano. Por lo general se obtienen buenos resultados con su utilización.

2.3 Luz de borde o contraluz

La luz proviene de atrás del motivo, la sombra se proyecta hacia el fotógrafo y el motivo queda reducido a una silueta. Este tipo de luz sirve para dar un efecto espiritual a una imagen, especialmente en retratos de perfil.

3. Luz natural

El clima ejerce una influencia considerable sobre la intensidad, calidad y color de la luz. Cuando el cielo esta cubierto de nubes, la luz se suaviza y debilita y con frecuencia cambia de color (se vuelve azulada). Antes y después de una tormenta, con el cielo gris, se muestran unas manchas de diversos colores, el terreno se ve atravesado por luces que cambian rápidamente sus matices. También es importante considerar que la hora del día influye sobre el color de la luz.

La fotografía nocturna es extremadamente contrastada. Se aconseja tomar este tipo de fotografías justo antes del anochecer, para aprovechar la luz. Si se toma la foto cuando ha caído la noche la exposicion debe ser larga, para recoger mayor cantidad de luz, pero no demasiado si no se quieren lograr manchas producidas por el movimiento de las fuentes luminosas.

TIP: Cuando tomamos fotos apuntando hacia el sol, pueden aparecer destellos que reproducen la forma del diafragma. Este destello puede constituir un elemento dentro de la composición, si queremos acentuarlo debemos cerrar al máximo el diafragma, pero si se quiere eliminar basta con poner un parasol en el objetivo.

4. Sombras

La ausencia de luz respecto al entorno llega a ser tan importante en la composición como la luz misma. Las sombras pueden estar contenidas en el motivo (permanecen en los límites del mismo)o pueden ser proyectadas por él (se forman sobre una superficie ajena al motivo). A veces se presentan simultáneamente.

Todas las sombras aportan información muy importante sobre el volumen y las formas, en el caso de las sombras proyectadas también nos da una idea de la altura, o la distancia del suelo del objeto. A veces la sombra nos permite prescindir del objeto que la proyecta.

TIP: Para lograr una foto en la cual una sombra contenida en el motivo es la protagonista, se debe colocar un fondo blanco, iluminado a cada lado con una luz dura, y luego el sujeto, de espaldas al fondo, con 2 divisiones para que la luz no afecte la parte delantera de él. Es mejor colocar al sujeto de perfil, ya que éste contiene mas información.

5. La luz como motivo

La luz constituye un tema inagotable. Velas, antorchas, fogatas, un fósforo, o hasta el sol, sirven, no solo como fuente de iluminación, sino también, como motivo principal de una imagen.

6. Reflejos

Los reflejos especulares son provechosos, solo hay que recordar que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión:

TIP: Al explorar las posibilidades de los reflejos es una buena idea expresar las relaciones que pueden existir entre los objetos, aprovechar los espejos, charcos, o cualquier objeto que actúe como tal. Debe tenerse en cuenta que la distancia real a que se encuentra el motivo es la que existente éste y la cámara, y no la falsa distancia entre la superficie reflectante y la cámara.

7. Las propiedades del motivo

Es importante tener en cuenta las propiedades de cada motivo al escoger la iluminación adecuada para fotografiarlo. Los objetos pueden ser luminosos (si reflejan la luz que reciben), opacos (si la absorben), transparentes (si la luz los atraviesa) o traslúcidos (si la luz que los atraviesa es dispersada en todas direcciones, haciéndose difusa).

TIP: Para retratar un objeto muy brillante sin que se refleje en el nuestra cámara, lo mejor es meter el objeto en una especie de urna, hecha de un material difusor (cartón pintado de blanco, por ejemplo) y dejar solo una pequeña abertura para el objetivo de la cámara.

http://www.cristalab.com/tutoriales/guia-para-tomar-buenas-fotografias-la-luz-c37835l/

La Era Postmedia

http://laerapostmedia.net/pedidos/laepm_PDF.html

Actividades


Leer de la página 9 a la 23 y realizar los siguientes ejercicios

1. Buscar  las palabras que no entiendas en el diccionario

2. Realizar un resumen del texto minimo 500 palabras

3. En tu opinion de que manera ha cambiado la forma de percibir imágenes a traves de las nuevas tecnologías mínimo 300 palabras


Envía tus actividades resueltas a mariel.mqr@gmail.com

Una opinion sbore la fotografía documental

El infierno

en 9/26/2010 07:31:00 PM

 Esto es la muerte de un miliciano. Robert Capa 1936.

No repetiré –espero- los clichés que se dicen sobre esta fotografía. Mi único interés al referirme a ella es con respecto a la polémica de su autenticidad. Hay quienes afirman que la imagen es una completa farsa una puesta en escena de un hecho histórico como lo fue la batalla del cerro Muriano, en el frente de Córdoba el 5 de septiembre del 36. Quienes están en contra, aducen que, de ser una fotografía trucada o un fotomontaje, perdería el valor como motivo emblemático de la lucha republicana, sería una farsa carente de sentido que pretendió representar la cruenta lucha por la libertad librada durante la guerra civil española. Este grupo de personas desacredita la fotografía como una creación deliberadamente planeada para hacerse pasar por real. De cualquier forma, ya sea una u otra la postura al respecto, la imagen es real y existe de una manera palpable en el imaginario de la historia. Cualquier cosa que digamos es asunto baladí pero importante, al menos para mí, en cuanto que pensar en su origen aclara el sentido que el arte debe tener.


 
Si bien la espontaneidad es un elemento de valor en el trabajo documental al captar de manera única un instante irrepetible, en una primera instancia hablar de fotografía plantea el problema del desprendimiento, el despego que todo arte debe tener para considerarse como tal, esto es: la modificación de la realidad su apropiación para recrearla de nuevas y distintas formas. La fotografía documental no lo hace. La fotografía construida, sí. Dentro de la fotografía construida encontramos el trabajo de registro o modificación a través de procesos artísticos, la fotografía de moda y publicidad, aunque éstas últimas también plantea ciertas interrogantes que no abordaré por ahora. 


Así, la fotografía documental se halla ligada al registro. La realidad y no el fotógrafo es quién aporta los elementos constitutivos de la imagen. El el fotógrafo elija el encuadre, luz o ángulo sus decisiones son limitadas comparadas con la realidad a la que se enfrenta. De ahí también su valor. Pero no es lo mismo tener todos los ingredientes para elaborar cualquier platillo que verlo servido en una mesa. La realidad es son los elementos en bruto de lo que los artistas convierte en un platillo servido para ser degustado de una forma totalmente distinta a probar cada uno de los ingredientes.


Escribía mi reseña y opinión sobre la XIV bienal de de fotografía en el Centro de La Imagen cuando después ví El infierno y me pareció encontrar aspectos en común que me hicieron tratar de encontrar ciertas definiciones para juzgar y justificar mis juicios con respecto al arte.


Esta es una fotografía de Fernando Brito, ganador de un premio de adquisición de la bienal.

 











¿Qué tiene en común con la fotografía de Capa? ¿Qué tiene en común esta serie Tus pasos se perdieron con el paisaje con la película "El infierno"?


La obra de Fernando Brito es un trabajo documental. En general una gran parte del trabajo seleccionado en la bienal lo es. ¿Por qué gano uno de los premios de adquisición? El tema es actual, nadie puede negar la problemática social que vive nuestro país en estos momentos y en la cual todos estamos involucrados. Teresa Margolles lo resumió en la bienal de Venecia del año pasado. El título de su exposición: ¿De qué más podemos hablar?
 
En efecto ¿es de lo único que podemos hablar? Hace no muchas semanas los medios de comunicación (prensa, radio, pero sobre todo televisión) se vieron implicados en una controversia que tenía que ver con la descontextualización de la gran cantidad de notas que sobre el narcotráfico y las consecuencias de la guerra contra él salían al aire en cada emisión de los noticieros. El bombardeo de información fue cuestionado. Se vio más que como una cobertura eficiente, amplia y de-ta-lla-da de los acontecimientos, como una estrategia mediante la cual los mismos medios eran utilizados a favor de los grupos armados del narcotráfico para difundir el miedo y el terror. Sobre todo porque cada una de las notas, muertes, asesinatos, explosiones, secuestros y demás se daban de manera aislada sin hilvanar los hilos de relaciones que se entretejen en cada contexto específico donde ocurren los hechos. En Mérida, por ejemplo, la ciudad más segura del país, la gente, al ser cuestionada sobre sus preocupaciones, menciona a la inseguridad como una de sus principales preocupaciones. Los medios de comunicación tienen que ver con tal percepción.


¿De qué otra cosa podemos hablar? Embellecer la realidad y la violencia a consecuencia de una guerra es arte sólo en cuanto expresa los valores culturales que hacen posible tal situación dentro de un contexto social, político y económico específico. Sí: son fotos contemporáneas porque nos pertenecen en tiempo y espacio y porque quedaran como testimonio, como registro de un determinado momento. Pero hasta ahí. El arte implica mucho más. Teresa al menos modifica e interviene las situaciones que se le presentan de alguna manera tamiza los hechos a través de una visión particular del espacio en relación con el espectador. Lleva a otro nivel de percepción la situación que vive el país e introduciéndonos en un tipo de reflexión mucho más sofisticada. Su proceso me parece también divertido; su último trabajo es congruente con la trayectoria de la artista.


La fotografía de Capa sería una fotografía como la de Brito de haber sido real. Prefiero la versión contraria: la que considera fue todo un fotomontaje o representación que no tuvo lugar en la realidad y que la escena y la pose no fue producto del momento sino de la imaginación y reflexión de Capa al momento de diseñar cómo se vería y producirla. Me gusta pensar en que se insertó como real en el mundo del arte a pesar de ser una farsa, pero una muy compleja que se reafirma con el tiempo. El arte tiene que ver con la imaginación con la clase de imaginación que proyecta en la realidad imágenes capaces de hacerse pasar por ella. En eso radica su belleza y también parte de su poder.

  
El problema con la fotografía documental radica en la extravagancia. Requiere de constantes dotaciones de novedad para mantenerse vigente en cuanto a temática. Por un lado tienen la capacidad de rescatar problemáticas locales, poco abordadas o jamás tocadas por los medios de comunicación o exponer otros aspectos de un tema del que ya se ha hablado. Pero, por otro lado, los temas en la fotografía documental cada vez tienen que ser mucho más raros para impactar. El impácto es la materia necesaria para sucitar en el espectador una reacción que lo conmueva e incite, que despierte su concienica o atención sobre el tema del que se hagla. Lo raro parece tener una definición muy particular. No se fotografía el trabajo de los científicos en el acelerador de partículas o trasladado a México el de los científicos que manejan Laguna Verde sino el de los internados en el tutelar de menores y su proceso de "recuperación" (Fermín Guzmán) No se fotografía la labor militar en el rescate de un desastre natural pero sí la vida de sectas pseudoreligiosas y potencialmente explosivas (José Luis Cuevas). Y de ahí pa'l real: quinceañeras kitch (Teda Acha), nota roja del narco en tal o cual ciudad, comunidades de caníbales anónimos, redes de prostitución animal, contrabando de órganos, guerrillas de comunidades en la sierra, mutilados por guerra, deformes a causa de genes macabros.De ahí que el trabajo de fauna de Foncuberta sea considerado arte, registra su propio mundo imaginario que linda los bordes de la ciencia y de la fotografía puramente documental. Sólo agrego que una cosa es periodismo y otra arte. Que puede haber confluencia entre ambas pero es la excepción a la regla y que no hay que confundir la una con la otra. Definitivamente prefiero a Alejandra Laviada, el otro premio de adquisición.

La película El Infierno está bien hecha. Comparada con la oleada de producciones "bicentenario" es de lo mejor técnicamente hablando. Es Inteligente. Usa el humor para adentrar al espectador dentro de la historia y la situación de tal manera que es difícil salir una vez dentro. La gente deja de reír a la mitad de la película, pasa un fenómeno extraño conocido como "caer el 20".Uno se da cuenta de que se está ante la realidad. La sensación de esa realidad es tan dura como la de la fotografía de Capa o Brito, una sensación táctil sólida como el acero, es contundente y en ese sentido efectiva. Como en su anterior película, el director reduce un microcosmos el contexto del país para ilustrar su realidad.


En la película asistimos al proceso de depravación del personaje principal, Beny. Es predecible, casi desde el comienzo de la película el destino que a él le espera, así como el del resto de los personajes. Ya sabemos en qué terminará todo aquello.El inconveniente de registrar la realidad es ese: la realidad es predecible y anticipable. Los grandes saltos y transformaciones son producto sólo de la imaginación. Limitarse a concentrar en un espacio de tiempo lo que de entrada ya todos conocemos ocurre en México comparte el aspecto documental con las anteriores muestras de este géneroy concentra de una manera general la impresió que, al parecer, todos los ciudadanos parecen compartir. Yo no comparto esa vision, estoy en contra de ella.

El peligro de ambas expresiones, radica en difundir una imagen parcial de la realidad. El problema no es ese. Ya que ques una visión subjetiva más bien lo es el que  no hay ninguna visión que se contraponga a la idea generalizada que se ha venido construyendo con el tiempo acerca de México a través de los medios de comunicación y ahora el arte. Es curioso como todas las concepciones del país coinciden en un aspecto negativo al representar la violencia, muerte, e irracionalidad como norma dentro de los mundos particulares que se reflejan en la fotografía y en el cine. Esa visión es la que hace que nos preguntemos ¿De qué otra cosa podemos hablar? La pregunta parece una consecuencia certera, pero no es más que una elección, como cualuquier otra. Con esta pregunta se cierran las puertas a alternativas, parece reducirse en su simplicidad a la única salidad posible: la resignación. Significa un "todos somos culpables".



En efecto, en la película todos son culpables. En el más amplio de todos los sentidos no hay inocentes porque, salvo el hijo mayor de uno de los personajes, el resto son culpables. Pero no habría de haber ninguna clase de culpa pues dentro de la lógica interna de la película cada acción trae para los personajes su consecuencia lógica dentro de la trama y la visión. La corrupción moral de cada uno de los personajes es evidente, el dinero por el dinero, un mundo carente de reglas, sin sentido, sin lógica, completamente irracional, el reflejo es la violencia, la muerte como moneda de intercambio entre entes con forma humana pero sin la capacidad de ejercer el libre albedrío que haría que escribiera personas en lugar de entes. Se dibuja un mundo de determinismo en el que parece no haber ninguna otra salida más que unirse con placer a la corriente de los acontecimientos donde no has escape alguno ni posibilidad de elegir otra cosa que lo que ya se ha elegido. La inocencia se perdió desde el momento en que no nos quedo otra cosa de que hablar.


Utilizar el sentido del humor es eficaz pero también peligroso. La risa tiene la capacidad de banalizarlo todo y situarlo al mismo nivel. La risa es perniciosa en un pueblo acostumbrado a reírse prácticamente de todas las situaciones. Característica sin la cual no podemos concebirnos, el humor aunado a la cultura de la queja son el complemento perfecto para la parálisis y la apatía. La risa nerviosa es la característica cuando uno cree estar atrapado, ha sido descubierto y no se tiene la posibilidad de atacar o de huír. La risa y la queja, se contraponen a la seriedad y a la acción. Son opuestos. Esta película podría ir en la línea de libros como La virgen de los sicarios de Fernando Vallejo.Ambos manejan el humor áspero, agrio y negro para puntualizar los quiebres irracionales del comportamiento de una sociedad, para remarcar situaciones que, en otras circunstancias deberían de despertar cólera y enojo. Son ficciones documentales, no muy alejadas de la realidad no necesitan exagerar las circunstancias para hacer ímpetu en aspectos como la corrupción, la falta de lealtad, entereza o dignidad, dado que la realidad parece superar a la ficción. El punto es que la ficción nunca trata de superar a la realidad en el aspecto positivo el contrario al que ahora se propaga en la fotografía documental. 


No abogo por la eliminación del conflicto dramático ni por reflejar solamente el aspecto positivo exentos del choque con el conflicto. Esto carecería de sentido también. Sino por la resolución de un conflicto con imaginación que diera saltos cuánticos en contraposición con los aportes de una realidad determinada y predecible. Hay distintas y variadas formas de abordar y concientizar (si es que ese era el propósito de la película) creo que eligieron la más fácil.


 
Me parece extraño hacer foco en una situación que, en una primera instancia podría resultar vanguardista y desafiante ¿Nadie se ha dado cuenta de que ya es un chiché? ¿No se supone los artistas estamos en contra de los clichés y de las visiones generalizadas del mundo. Habar del narco está pasé, no esta inn, no está a la moda. La moda es una visión que se reafirma a sí misma con el tiempo; una especie de profesía autocumplida. ¿No deberíamos imaginar una nueva forma de ver las cosas que corresponda más que con lo que "nos toco vivir" con lo que nos gustaría vivir o con lo que vivimos. Una visión no determinada sino imaginada con base en la realidad que no es parcial como la representada por todas las expresiones que he enunciado sino que está abierta a los cambios y la elección? El mundo no debe parecerse a lo que vi en El infierno, las personas que hacen posible ese mundo deben desaparecer, constituyen una amenaza a mi felicidad y a mi visión, porque dentro de mi mundo no hay cabida para entes de esa clase y si existen es sólo por consenso y por efecto de la risa-queja. En el momento en que gritemos ¡BASTA¡ cada uno de ellos podrá empezar a temer. Enojarnos no estaría mal. La risa vacía y nerviosa más que las lágrimas y gemidos es lo que me imagino característico de quienes están atrapados en el infierno. Veán a algún adicto a las drogas reirse sin sentido en la calle y sabrán de lo que hablo.

Tomado de
 
http://erevank.blogspot.com/2010/09/el-infierno-esto-es-la-muerte-de-un.html

XIV BIENAL DE FOTOGRAFÍA

Queridos alumnos la siguiente exposición a visitar es la XIV Bienal de Fotografía organizada por el Centro de la Imagen.


La XIV Bienal de Fotografía refrenda el compromiso de ampliar y enriquecer sus contenidos, al vincularse con instituciones y proyectos internacionales en un solo objetivo: relacionar la fotografía contemporánea mexicana con el escenario y reconocimiento internacional. Si bien, el modelo de la Bienal se ha estructurado sobre la base de un concurso que convoca a cerca de 500 fotógrafos, a partir de su treceava edición se volvió un proyecto extensivo, asociado con programas y festivales de distintas latitudes.


CENTRO DE LA IMAGEN
Plaza de la Ciudadela 2, Centro Histórico,
Mexico D.F., CP 06040
Tel: (55) 1450-3705 y 06

HORARIOS GALERÍAS:
Martes a Domingo 11:00 a 18:00 hrs.
Acceso al museo por Av. Balderas
entrada libre | estacionamiento gratuito

HORARIOS OFICINAS:
Lunes a Viernes 10:00 a 19:00 hrs.


http://centrodelaimagen.conaculta.gob.mx/index.html

http://centrodelaimagen.wordpress.com/about/



Actividades


Chequen el trabajo de varios participantes en la Bienal. Chequen como algunos trabajos también concursaron dentro de un certamen de fotoperiodismo

Mauricio Palos 

Juan Carlos Lopez

Alex Dorfsman

Lean la entrada que aparece en este enlace:
 
Fernando Brito

Círculo cromático

El círculo cromático es un esquema que clasifica los colores que conforma un segmento de la luz. El círculo cromático es muy útil para predecir de que manera un cambio en componente de un color afecta otros colores además de como estos cambios se traducen entre los modelos RGB y CMYK.

R. Red Rojo

Y. Yellow Amarillo

G. Green Verde

C. Cyan Cian

B. Blue Azul

M. Magenta Magenta

Por ejemplo, puedes disminuir la cantidad de cualquier color en una imagen incrementando la del color opuesto en el círculo cromático y viceversa. Los colores que están opuestos en el círculo cromático se les conocen como colores complementarios. De manera similar, puedes incrementar y disminuir la intensidad de un color ajustando los colores adyacentes del color contrario en el círculo cromático.

En una imagen CMYK, puedes disminuir el magenta ya sea disminuyendo el magenta o incrementando su complementario (verde, el color contrario del magenta en el círculo cromático). En una imagen RGB, puedes disminuir el magenta disminuyendo el rojo y el azul o agregando verde. Todos estos ajustes resultan en un balance de color con menos magenta.